viernes, 17 de diciembre de 2010

APRIL WINE


April Wine es un grupo de Rock canadiense formado a finales del año 1969. April Wine tiene más de veinte álbumes, y esta introducido en el Salón de la Fama del Rock, por ser uno de los mayores exponentes del Rock, en Canadá. El grupo tiene muchos álbumes con calificación dorada o platino, sobre todo en Canadá. El álbum Electric Jewels, apareció en el Top 100 Albumes Canadienses, por el puesto 73. Esta agrupación aún continua haciendo conciertos y pequeños tours.+

•Myles Goodwyn - Cantante, guitarra
•Brian Greenway - Coro, guitarra
•Breen LeBoeuf - bajo
•Blair Mackay - Batería

Discografia
Estudio
•April Wine (1971)
•On Record (1972) [1]
•Electric Jewels (1973)
•Stand Back (1975)
•The Whole World's Goin' Crazy (1976)
•Forever for Now (1977)
•First Glance (1978)
•Harder ... Faster (1979)
•The Nature of the Beast (1981)
•Power Play (1982)
•Animal Grace (1984)
•Walking Through Fire (1986) [2]
•Attitude (1993)
•Frigate (1994)
•Back to the Mansion (2001)
•Roughly Speaking (2006)
Recopilaciones
•Greatest Hits (1979)
•Best of April Wine: Rock Ballads (1981)
•Review and Preview (1981)
•The Hits (1987)
•All the Rockers (1987)
•We Like to Rock (1988)
•The First Decade (1989)
•Oowatanite (1990)
•The April Wine Collection (1992)
•Champions of Rock (1996)
•Rock Champions (2000)
•Classic Masters (2002)
•Best of April Wine (2003)
•April Wine Rocks! (2006)
•The Hard & Heavy Collection (2009)


Flamin' Groovies


Banda americana comandada por Roy Loney y Cyril Jordan, difícilmente encasillable y cuyos cambios reflejaron una apuesta musical arriesgada que finalmente falló. Iniciaron una navegación a contracorriente por voluntad propia. Cuando en 1966 despuntaba la emergente escena psicodélica de San Francisco, ellos reivindicaban el crudo rock’n’roll de los 50 frente a los etéreos desvaríos de veinte minutos de sus coetáneos. Cuando en 1978 el ruidoso punk atronaba por las calles de Londres, ellos bombardeaban la ciudad con acordes robados a los Beatles y Byrds envueltos en estética 60’s.

Y cuando reaparecieron brevemente entre 1987 y 1991, sencillamente interesaron a pocos; su tiempo había pasado. La formación clásica de los Groovies arranca en otoño de 1966 y el 9 de octubre de aquel año dan el primer concierto en San Francisco. Debutan discográficamente con el EP "Sneakers", aunque en 1968 firman con la multinacional Epic y ese mismo verano se trasladan a Los Angeles para grabar su primer elepé "Supersnazz"; el resultado es un álbum muy completo, ligeramente sofisticado y que anula en parte el máximo potencial que desarrollan en directo.

En enero de 1970 tocan por vez primera con los Stooges, iniciándose así una tendencia acentuada de Roy Loney hacia los sonidos duros y guitarras afiladas. En marzo graban "Flamingo", un álbum más crudo que su predecesor e influenciado por la escena musical de Detroit; que cambia musicalmente la mentalidad de Roy Loney, separándole aun más de los gustos de Cyril Jordan, que prefiere un pop basado en los cristalinos sonidos de las guitarras Rickenbacker de los Beatles y Byrds. En cualquier caso, ambos se separan cada vez más de la escena psicodélica de San Francisco y la ciudad también de ello.
A principios del año 1971 los Groovies se trasladan a Nueva York para grabar "Teenage Head" The Flamin' Groovies - Teenage Head; el álbum lo conforman temas ásperos de rockabilly, melodías con tintes country, rítmicos boogies a lo Stones, densos blues e incisivas guitarras slides y será la última grabación oficial con Roy Loney. El conjunto tras incorporar a dos nuevos componentes emigra a Gran Bretaña y en tierras europeas consiguen incrementar notablemente su audiencia convirtiéndose en una formación de culto. A principios del verano de 1976 se edita el elepé "Shake Some Action" Flamin' Groovies - Shake Some Action, el primero de la trilogía con el sello Sire.

Un álbum placentero de escuchar donde el espíritu de los Beatles y del resto de figuras del pop inglés del 65 flota en el sonido, en el look y en la portada. Actualmente mantiene una cualidad eterna y atemporal, que lo separa del resto de álbumes anticuados de muchos de sus contemporáneos. Hibernados en San Francisco durante el 77, se plantan nuevamente en Londres para grabar su siguiente trabajo "Now" Flamin' Groovies - Flamin' Groovies Now, que aparece en la primavera de 1978; allí chocan frontalmente con el punk que no interfiere para nada en su música. La estética y sonido Beatles es sustituido ahora por las impolutas melodías dedudoras de los Byrds.

En 1979 la revuelta punk ha sido sofocada y el Reino Unido se convulsiona bajo los ritmos de la new wave. Con el objeto de dar a su sonido un cierto aire contemporáneo la compañía impone un cambio de productor y el intento queda en eso. "Jumpin'In The Night" Flamin' Groovies - Jumpin' In the Night es un álbum que no encaja en la llamada nueva ola y que cierra la fabulosa trilogía británica. Se trataba de una obra de extraordinaria pureza, desbordante pasión y que fue más transgresora en aquellos tiempos que lo que a primera vista parece. Con más cambios de formación la banda siguió su andadura en los 80 con escasa repercusión y lejos de su inspiración de antaño, separándose finalmente en 1992.

Discography

* Sneakers (1968)
* Supersnazz (1969, Epic BN 26487)
* Flamingo (Kama Sutra KSBS 2021, 1970)
* Teenage Head (Kama Sutra KSBS 2031, August 1971)
* Slow Death (June 1972)
* Still Shakin' (Buddah Records BDS 5683, 1976)
* Shake Some Action (Sire Records, June 1976) U.S. #142[5]
* Flamin' Groovies Now! (Sire Records, June 1978)
* Jumpin' in the Night (Sire Records, July 1979)
* One Night Stand (July 1987)
* Groovies Greatest Grooves (August 1989)
* Rock Juice (1992)
* Rockin' at the Roundhouse (1993) (live recordings from 1976 and 1978)
* Bucket of Brains (1995) (the original 1972 Rockfield sessions plus the original version of Shake Some Action)
* Flamin' Groovies At Full Speed - The Complete Sire Recordings (2006 compilation)
* The Flamin' Groovies In Person (1971 live recording) (2006)

viernes, 3 de diciembre de 2010

FOREIGNER


Muchos grupos exitosos de los años setenta no pudieron hacer la transición de década y quedaron en la historia, mientras que otros como Journey, Styx, REO Speedwagon y especialmente Foreigner encontraron en ese período sus años dorados.

Desde sus inicios el guitarrista británico Mick Jones ha sido la cabeza del grupo. Jones empezó tocando con “Nero and the Gladiators”, para luego a ser guitarrista de sesión apareciendo en discos de George Harrison y Peter Frampton.

A mediados de los años setenta Jones se había mudado a Nueva York en donde tocó con los Leslie West Band, además de ser músico de apoyo para una disquera. Sin embargo, la dirección de su carrera y el tipo de música que estaba haciendo no le llenaban. Por eso empezó a buscar la forma de armar una grupo que combinara elementos del rock, del progresivo, del R&B y del pop dentro de un estilo sólido y coherente.

En 1976 durante una sesión de grabación conoció al inglés Ian McDonald (Ex King Crimson) que tocaba el sax. Junto a él, al baterista inglés Dennis Ellioth y a los músicos norteamericanos Al Greenwood en el teclado, el bajista Ed Gagliardi y el cantante Lou Gramm formó “Foreigner”, además de firmar un contrato con Atlantic Records.

Mick Jones encontró en Lou Gramm un gran colaborador en la tarea de composición. Una de sus primeras colaboraciones fue “Cold As Ice” que luego llegaría a ser un éxito.

“Foreigner”, el LP debut, fue puesto a la venta en 1977 desencadenando una explosión de éxitos con "Feels Like the First Time," "Long, Long Way From Home," y "Cold As Ice", que hicieron que el disco fuera cinco veces platino.

Lo inesperado e inmediato del éxito de su disco debut los dejó paralizados. Sin embargo, la reacción de la disquera fue mandarlos de gira casi sin repertorio y sin mayor experiencia en sus presentaciones en vivo. Sin siquiera poder practicar o planear estaban frente a un montón de jóvenes que querían escucharlos en vivo. “Crecimos –musicalmente- frente a la audiencia y cometimos todos nuestros errores al frente de muchos chicos” dice Dennis Elliot. “El problema al inicio” dice Lou Gramm “era que solo teníamos diez canciones. Cuando la gente nos pedía que hiciéramos “otra”, ¡no teníamos nada más para tocar!”.

La situación logró remediarse cuando regresaron al estudio a escrbir su segundo disco “Double Vision”.

La banda logró esquivar las recaídas de los grandes éxitos con un disco igualmente vendedor. “Double Vision” de 1978 estuvo seis meses entre los diez LPs más vendidos empujado por éxitos como “Hot Bloded”, una canción que fue presentada de sorpresa en un festival de música y que dada la respuesta de la gente se ganó un lugar en el disco.

La consecuencia lógica de esta fórmula ganadora fueron los estadios llenos, en una época en la que Led Zeppellin y los Rolling Stones mandaban en esos espacios.

“Head Games” fue el tercer disco de Foreigner. Puesto a la venta en 1979, el disco fue igualmente vendedor que sus dos predecesores, pero tanto Gramm como Jones sintieron que el disco no aportó nada nuevo, algo que quisieron corregir en su próximo trabajo. Quizás esto precipitó la salida de Gagliardi del grupo y la llegada al bajo de Rick Willis ex integrante de Roxy Music y músico de Peter Frampton.

El grupo entonces se convirtió en un cuarteto integrado por Jones, Gramm, Elliot y Wills. Trajeron a Mutt Lange como productor quien acababa de producir “Back in Black” de AC/DC. El resultado del ajuste fue “4”, un disco igualmente vendedor pero con una gran cantidad de sencillos que abultaron la facturación: "Urgent", "Jukebox Hero" y "Waiting for a Girl Like You." Aunque la última fue un éxito descomunla llegó a confundir a muchos de sus seguidores en cuanto a si Foreigner seguía siendo una banda de rock o eran músicos de balandas.

Un año después, en 1982, Foreigner puso a la venta un disco de grandes éxitos que hasta la fecha es el segundo de sus larga duración en haber pasado la barrera de los siete millones.

“Agent Provocateur” fue puesto a la venta en 1984. Cinco años después de su último LP y con MTV dentro de la ecuación comercial, Foreigner puso todo lo que tenía en una balada con aires de góspel llamada “I Want to Know What Love Is”, cuyos coros estaban interpretados por el Coro de Misa de Nueva Jersey. La canción fue uno de los éxitos más importantes de la incipiente MTV y de la radio norteamericana.

Sin embargo, a pesar de la popularidad del sencillo, las ventas del LP no tuvieron el nivel de discos anteriores fundamentalmente porque el disco no era tan compacto y sólido como los anteriores.

Después de una gira de casi nueve meses, Jones y Gramm se dedicaron a desarrollar proyectos ajenos a Foreigner durante 1986. Jones sirvió de productor para Bad Company y de coproductor para el sencillo debut de Van Halen con Sammy Hagar “5150”, mientras que Gramm se concentró en lanzar su carrera como solista.

Tanto el lanzamiento del disco de Gramm (“Ready or Not”), como “Inside Information”, el sexto de Foreigner, se produjeron en 1987. Ambos discos tuvieron canciones en el top 10, pero esto sirvió para que Gramm se concentrara más en su carrera que en Foreigner y eso llevó a fricciones con Jones que terminaron por alejar al cantante de Foreigner en 1989.

Ese mismo año Gramm puso a la venta su segundo disco titulado “Long Hard Look” que no tuvo el éxito del anterior. Por su parte Jones trabajó como productor del disco “Storm Front” de Billy Joel, además de lanzar un disco homónimo como debut.

Jones, Elliot y Wills trataron de mantener vivo a Foreigner y para ello trajeron a Johnny Edwards como nuevo cantante. El resultado fue “Unusual Heat” un disco que pasó desapercibido, al igual que el nuevo proyecto de Gramm: “Shadow King” un grupo que alcanzó a producir solo un disco.

Tanto Jones como Gramm se dieron cuenta de su error y tomaron nota de una sugerencia hecha por Atlantic Records. Se reunieron para grabar tres nuevas canciones que se incluyeron en una recopilación de éxitos algo más amplia que salió a la venta en 1992. “The Very Best... And Beyond”, una compilación de 17 pistas se convirtió en el éxito comercial más importante de Foreigner en muchos años.

La etapa de colaboración de Gramm y Jones se convirtió en algo permanente, además de embarcar a nuevos miembros como Bruce Turgon en el bajo y Jeff Jacobs en las teclas. Juntos produjeron “Mr. Moonlight” que no alcanzó para que el disco regresara al grupo a la cima de la popularidad.

A pesar de ello Foreigner sigue siendo un plato fuerte cada vez que se presenta en vivo. Su gira con Journey de 1999 fue un llenazo donde se presentaron.
Discografía
Álbumes
1977 - Foreigner (álbum)
1978 - Double Vision (álbum)
1979 - Head Games
1981 - 4 (álbum)
1982 - Records
1985 - Agent Provocateur
1987 - Inside Information
1991 - Unusual Heat
1992 - The Very Best... and Beyond
1994 - Mr. Moonlight
2006 - Live In '05
2009 - Can't Slow Down

lunes, 29 de noviembre de 2010

And you? Manitoba's Wild Kingdom


1990. Retrocedamos a mediados de los años '70 con la creación de Dictators y sus múltiples cambios de formación, una constante en la vida de la banda. Tras tres bombazos de discos de estudio ("Go Girl Crazy!" -1975-, "Manifest Destiny" -1977- y "Bloodbrothers" -1978-), la banda se separa por, bueno, lo de siempre, desavenencias entre sus miembros. Cada uno tira por su lado, Manitoba de taxista, Shernoff como productor, pero lo más curioso es que Ross Friedman, el guitarra, más conocido como Ross The Boss, tras un breve paso por la banda francesa Shakin' Street, forma junto con Joey DeMaio la ultrametalera banda Manowar, donde pudo practicar el rol de guitar hero hasta hartarse. Un cambio curioso visto desde la perspectiva actual, aunque no hay que olvidar que Manowar , a pesar de ser relacionados con el metal más ortodoxo, tuvieron unos comienzos bastante rockandroleros (dentro de lo que cabe). En 1986 y desde entonces de manera ocasional, Manitoba se reunió con Shernoff y Daniel Rey en la banda Wild Kingdom. Al dejar Manowar tras el álbum "Kings Of Metal" (1988) Ross The Boss entra en la formación en sustitución de Rey. Con la adición de J.P. "Thunderbolt" Patterson a la batería, la banda pasa a llamarse Manitoba's Wild Kingdom y ya está liada de nuevo. Poco después se publica este primer y único disco que puede ser considerado por derecho propio, por sonido y por formación, como el cuarto álbum de Dictators. Con una portada no exenta de polémica (la foto está extraida de un póster de reclutamiento nazi) que no aclara nada sobre el contenido del disco, nos adentramos en una sucesión de riffs punkrockeros en la más pura línea Dictators, canciones coreables y diversión rockera. Pero, ay, llegados a la mitad la cosa se pone incluso mejor. El amigo Ross se debió traer unos riffs y el sonido se endurece de una manera considerable. Casi como tener dos discos en uno. engancha. A pesar de ser acogido de manera excelente por crítica y público el grupo se vuelve a romper (y vuelve a reencarnarse en Dictators). Discazo, pero discazo del bueno
Fuente: reino de mondongo

domingo, 28 de noviembre de 2010

NEW RELEASED -JIMI HENDRIX: "West coast Seattle boy" (Box-set 2010)


El 18 de septiembre de 1970, hace 40 años, fue encontrado muerto en su apartamento James Marshall Hendrix, para algunos, más conocido como Jimi Hendrix.

Para sus incondicionales sale a la venta un recopilatorio en formato box set , titulado "West Coast Seatlle Boy - The Jimi Hendrix Anthology", incluirá, en 4 discos de audio y un DVD, más de 45 canciones entre las que se destacan una versión inédita del tema "Tears Of Rage" de Bob Dylan, una versión acústica de "Long Hot Summer Night" y canciones nunca antes editadas como "Hear My Freedom" y "Hound Dog Blues". Así mismo, un documental de 90 minutos acerca de la vida del guitarrista con presentaciones, entrevistas, cartas, dibujos, fotos y borradores de canciones, un testimonio gráfico del legado del artista a cargo del director Bob Smeaton
.

martes, 9 de noviembre de 2010

Monster Magnet


Monster Magnet es un grupo norteamericano de rock originario de Red Bank, Nueva Jersey. Su formación original la componían Dave Wyndorf (voces y guitarra), John McBain (guitarra), Tom Diello (batería), y Tim Cronin (voces y bajo). El primigenio grupo usó los nombres de "Dog of Mystery" y "Airport 75" antes de quedarse definitivamente con "Monster Magnet", que se escogió como referencia a un juquete de los 60 del mismo nombre, que a Wyndorf le gustaba cuando era niño.

Influencias y contexto
Monster Magnet es un grupo donde se encuentran el garage rock, el rock progresivo, el heavy metal, el punk, el rock psicodélico y el rock industrial; su música se compone de influencias eclécticas, entre ellas, dos de los grandes pilares que influyeron a los grupos de rock de los 90 (Black Sabbath y los Stooges) si bien la agresividad y los riffs pesados se combinan con influencias psicodélicas, y otro de los grupos de referencia de Wyndorf es la banda de space rock Hawkwind. Monster Magnet se inclinan hacia la psicodelia de finales de los 60 y principios de los 70, el lado más ácido y decadente de la cultura americana, y ambientes similares a los descritos por Hunter S. Thompson en su libro Miedo y asco en Las Vegas. Otras influencias serían Alice Cooper, MC5, o los grupos de Garage Rock Music Machine, the Electric Prunes, o Third Bardo, grupos de los cuales han realizado diversas versiones que han ido apareciendo en caras b o recopilaciones, por ejemplo la versión de Hawkwind "Brainstorm" (de su álbum Doremi Fasol Latido, 1972). La influencia de lo que se dio en llamar Space Rock, es muy notoria en su música; incluso Wyndorf ha declarado su pasión por música electrónica más ácida y por grupos como Ozric Tentacles.

Otra fuerte influencia en el mundo de Monster Magnet es la cultura de serie B americana; Cómics, Ciencia Ficción, películas de terror, Blaxploitation, y películas de Serie B como las de Roger Corman o Russ Meyer. La cultura de las drogas o del satanismo aparece también representada en sus obras; por ejemplo, uno de los primeros eslóganes del grupo fue la frase "It's a Satanic drug thing.... You wouldn't understand," ("es una cosa de de Satanismo y drogas, no lo entenderías") y su mascota, el dios toro, es una figura demoníaca que aparece a menudo en sus álbumes.

Monster Magnet se popularizan a mediados de los noventa; su gran despegue comercial coincide con el álbum "Dopes to Infinity" en 1995, al que ya había precedido con una cierta repercusión, el anterior, "Superjudge", en 1993. Este período coincide con la aparición de una serie de grupos con similares influencias; Black Sabbath, la Serie B, los Stooges, la cultura decadente norteamericana, influencias que destilan de una manera enormemente personal y creativa; White Zombie, Danzig e inclusive los primeros Marilyn Manson, formaron parte de esa nueva escena estadounidense posterior al grunge, compuesta de grupos difícilmente clasificables, y que no conformaban un estilo ni un movimiento musical, pero que compartían las mismas influencias y referencias culturales, y una visión muy personal de la música, además de manifestar en ocasiones su admiración mutua. Asimismo, la relación de Monster Magnet con el Stoner Rock fue intensa; Wyndorf manifestó en numerosas ocasiones su admiración por Kyuss, dado el paralelismo de influencias, ya que el Stoner Rock se nutre de las influencias de Black Sabbath y de la Psicodelía; incluso a menudo se clasifica a la banda de Wyndorf dentro del Stoner Rock, aunque en realidad no formasen parte realmente de esa escena, son anteriores a ella, y los distinguen otros matices
.
Historia
Primera etapa: los inicios
En 1989, Monster Magnet graba dos demos: Forget About Life, I'm High on Dope y I'm Stoned, What Ya Gonna Do About It?. El primer lanzamiento "oficial" del grupo fue un EP del mismo nombre de la casa alemana Glitterhouse Records. In 1991 el grupo firma con Caroline Records y graba su primer LP, considerado como un clásico de culto, Spine of God. El siguiente lanzamiento es un extraño EP de cuatro canciones titulado Tab que incluyó, junto a otras dos larguísimas canciones, un tema de 32 minutos llamado "Tab...". McBain fue expulsado del grupo tras el EP, por conflictos personales con Dave Wyndorf. Lo sustituyó el guitarrista de Atomic Bitchwax, Ed Mundell, quien consolidaría su puesto en el grupo hasta hoy en día.

Segunda etapa: apogeo
El año 1993 vio el lanzamiento del álbum Superjudge. Aunque el disco se publicó a través de una "major" (A&M Records), no vendió demasiado, aunque pavimentó el camino, al causar gran sensación en los círculos mas iniciados y revistas especializadas. Dopes to Infinity, su sucesor, alcanzó el éxito mundial, y cosechó gran éxito de crítica, ampliando su círculo de seguidores; a ello ayudó el hit single "Negasonic Teenage Warhead", aupado por un Videoclip que fue repetidamente programado en MTV y que mostraba a Dave Wyndorf y el resto del grupo conduciendo un coche clásico americano por el espacio exterior. Dopes to Infinity, seguido de Superjudge, son sus álbumes más apreciados por muchos de sus fans.
Tercera etapa: éxito comercial
Después del álbum y su correspondiente gira, Wyndorf se mudó a Las Vegas, Nevada , para trabajar en su siguiente obra, Powertrip (1998). El disco intentó empaparse del ambiente frívolo y decadente de Las Vegas, un tema que obsesionaba a Wyndorf; el disco superó el éxito de Dopes To infinity. Powertrip vio al grupo dejar su clásico sónido lo-fi con sabor a Stoner Rock y entrar en una era dominada por un sonido Hard Rock más arquetípico. El guitarrista Phil Cavaino se unió al grupo en 1998. "Space Lord", the first single, fue un gran éxito de radio, y el grupo giró con bandas como Aerosmith, Metallica o unos recién encumbrados Marilyn Manson. Su último álbum con A&M Records fue God Says No (2000). Después de él, Joe Calandra y Jon Kleiman dejaron el grupo por conflictos internos con Wyndorf, y fueron reemplazados por Jim Baglino y Bob Pantella respectivamente. En 2003, Monster Magnet firma con el sello Europeo SPV, y a principios del 2004 editan Monolithic Baby! en toda Europa.Le sigue el lanzamiento americano en SPV America. En Marzo del 2005 Phil Cavaino deja amistosamente el grupo tras 7 años. Se esperaba su nuevo disco para marzo de 2006, coincidiendo con su gira europea, pero de alguna manera el lanzamiento no se produjo. Enl 27 de febrero de 2006 Dave Wyndorf sufrió una sobredosis; su manager hizo pública la siguiente nota:.

"La batalla con los demonios personales de uno es la pelea más personal que cualquiera de nosotros puede llevar.La pelea es a veces una jornada confusa y solitaria. En la mañana del 27 de febrero Dave Wyndorf sufrió un retroceso en su propia lucha y fue hospitalizado por sobredosis. Se espera su completa recuperación. Animamos a todos aquellos con los que se ha encontrado a lo largo de los años o que simplemente les afectó su música, a tomarse un momento y tener un buen pensamiento, sobre o para el. Con la gracia de Dios y de aquellos que lo aman, confiamos en que Dave se recupere de su retroceso y continue tocando y componiendo gran Rock and roll"
El 4 de abril de 2007, Monster Magnet volvieron al estudio a grabar su nuevo álbum, 4 Way Diablo, que se esperaba para finales del 2007 o principios de 2008,[2] y que finalmente fue publicado el 6 de noviembre de 2007. A finales del mes de octubre de 2010 sale a la venta su nuevo disco Mastermind, un trabajo diferente y menos directo que los anteriores.

Integrantes
Dave Wyndorf - vocal/guitarra
Garrett Sweeny - guitarra
Phil Caivano - guitarra
Jim Baglino - bajo
Bob Pantella - batería
Ex-integrantes
Ed Mundell - guitarra
John McBain - guitarra
Phil Caivano - guitarra
Joe Calandra - bajo
Tim Cronin - bajo
Tom Diello - batería
Jon Kleiman - batería
Michael Wildwood
Discografía

Álbumes
1991 Spine of God .
1993 Superjudge
1995 Dopes to Infinity --Excelente
1998 Powertrip ---Bueno
2000 God Says No
2004 Monolithic Baby!
2007 4-Way Diablo
2010 Mastermind

sábado, 2 de octubre de 2010

Rory Gallagher


Rory Gallagher (2 de marzo de 1948 - 14 de junio de 1995) fue un músico irlandés de blues, rhythm and blues y rock. Nació en Ballyshannon, en el condado irlandés de Donegal, pero se crió y creció en Cork. Es habitualmente presentado como uno de los más influyentes músicos irlandeses y guitarrista de blues de todos los tiempos.


Muerte

La salud de Gallagher empeoraba, a raíz de un consumo excesivo de alcohol y la combinación de éste con fármacos que le habían prescrito para superar su miedo a volar. Desde finales de la década de los 1980, fue agravando sus problemas de salud, sin embargo, continuó de gira. El 10 de enero de 1995, en los Países Bajos, salió a escena visiblemente enfermo por lo que meses más tarde fue necesario trasplantarle el hígado. La operación fue un éxito, pero en el postoperatorio y pocos días antes de ser dado de alta, una infección (SAMR) acabó con su vida en Londres el 14 de junio de 1995. Gallagher nunca se casó y no tenía hijos.
Discografía con Taste (1966-1970)

Álbumes
Taste (Polydor, 1969).
On The Boards (Polydor, 1970).
Live Taste (Polydor, 1971).
Live at the Isle of Wight (Polydor, 1972).
In the Beginning, an early Taste of Rory Gallagher (Emerald, 1974). Disco no autorizado. Se editó en la discográfica propiedad de Phil Solomon, amigo de Eddie Kennedy. El material pertenece a la época en la que tocaban Eric Kitteringham y Norman Damery. Editado también como Taste First (BASF, 1974)) o Take It Easy Baby (Springboard,1976)
Singles
"Blister of the moon" / "Born on the wrong side of town" (Major Minor, 1968). Editado por Polydor Records en 1969.
"Wrong side of time" / "Same old story" (Plydor, 1969).
"What’s going on" / "Wrong side of time" + "Blister on the Moon" (Polydor, 1969). Single no autorizado por el grupo que se editó en Alemania.
"Wee wee baby" / "You've got to play" (BASF, 1972). Exclusivo para el mercado alemán.
"What's going on" / "Railway & gun" (Polydor).
"Blister of the moon" + "Sugar Mama" / "Catfish" + " "On the boards" (Polydor, 1982). Se editó en formato 7" y 12".
"Born on the wrong side of town" / "Same old story" (Polydor). Exclusivo para el mercado italiano.
"Born on the wrong side of town" / "Same old story" (Polydor). Exclusivo para el mercado japonés.
"If I don't sing..." / "I'll Remember" (Polydor). Exclusivo para el mercado español.
Discografía como Rory Gallagher (1970-1995)
Álbumes

El Rory Gallagher corner en Dublín.Rory Gallagher - 1971
Deuce - 1971
Live In Europe - 1972
Blueprint - 1973
Tattoo - 1973
Irish Tour '74 - 1974
Against The Grain - 1975
Calling Card - 1976
Photo Finish - 1978
Top Priority - 1979
Stage Struck - 1980
Jinx - 1982
Defender - 1987
Fresh Evidence - 1990
BBC Sessions - 1999
Let's Go To Work - 2001

Recopilatorios
The Story So Far - 1974
In The Beginning - 1975
Take It Easy Baby - 1976
A Blue Day For The Blues - 1995
Etched In Blue - 1998
Wheels Within Wheels - 2003
Big Guns: The Very Best Of Rory Gallagher - 2005
The Essential Rory Gallagher - 2008

Vídeos
Irish Tour 1974 - 2000
At Rockpalast - 2004
The Complete Rockpalast Collection - 2005
Live at Cork Opera House - 2006
Live In Montreux - 2006

domingo, 5 de septiembre de 2010

Vídeos inéditos de la grabación de Long Live Rock N Roll de Rainbow

El bajista Bob Daisley, que tocó en Rainbow entre 1977 y 1978, acaba de subir a Internet tres vídeos de sesiones de grabación anteriores al histórico Long Live Rock N Roll con Dio, Blackmore, Powell y David Stone. Son tres temas: Long Live Rock N Roll, Gates of Babylon y L.A. Connection. Todo un lujazo de videos

viernes, 20 de agosto de 2010

El nuevo album de ACCEPT

El nuevo album de los teutones Accept ya en la Calle, con su nuevo cantante Mark Tornillo, promete ser un Buen Album

Accept - Blood Of The Nations [Limited Edition] (2010)
Tracklist:

1. Beat the Bastards (5:23)
2. Teutonic Terror (5:12)
3. The Abyss (6:52)
4. Blood of the Nations (5:36)
5. Shades of Death (7:30)
6. Locked and Loaded (4:27)
7. Kill the Pain (5:46)
8. Rollin' Thunder (4:53)
9. Pandemic (5:35)
10. New World Comin' (4:49)
11. No Shelter (6:02)
12. Bucketful of Hate (5:11)
13. Time machine (05:24)

sábado, 24 de julio de 2010

Concierto The Cult en Rock Star de Barakaldo(Bilbo)






Ayer pude asistir al cocierto del grupo The Cult, que dio en la sala "Rock Star Live" de Barakaldo, en las interpretarón sus mejores exitos de los disco Love, Electric y Sonic Temple(y alguno de su último album), el concierto fue bastante bueno en sonido, aunque al cantante y su lider Ian Astbury se le note algo fondon ó entrado en kilos, no estuvo muy mal, la voz no tiene la de antes, con algunos fogonazos y muecas a lo Jim Morrison, pero en fin, es lo que hay, habria que pillarlos en sus buenos años, el que estuvo genial fue el gutarrista y alma mater del grupo, para mi, Billy Duffy, el sonido de sus guitarras fue extraordinario y animo bastante al personal que alli estuvimos, por cierto empezaron con 3/4 hora de retraso sobre el horario previsto.
Para mi fue un conciertazo, de los que he visto en esta sala (en especial el que dio "Yerterday & Today" que duro 2 horas y 40" ) y creó que la gente salio bastante satisfecha despues de pagar 40€ por escucharles. Dejó Fotos y SETLIST de los temas que interpretaron, estuvieron a un buen ritmo y con sonido impecable.

1.Lil' Devil
2.Electric Ocean
3.The Phoenix
4.Rain
5.Sweet Soul Sister
6.Revolution
7.The Witch
8.I Assassin
9.Edie (Ciao Baby)
10.Sun King
11.Nirvana
12.Spiritwalker
13.Rise
14.Dirty Little Rockstar
15.Fire Woman
16.Wild Flower
17.Love Removal Machine
Encore:
18.(Encore)
Encore 2:
19.She Sells Sanctuary


jueves, 1 de julio de 2010

BUFFALO -Volcanic Rock


Buffalo fueron una de las primeras bandas de hard/heavy rock salida de Australia. Mucho antes de que AC/DC y Rose Tattoo empezaran a escribir sus nombres en letras de oro en la historia del rock, estos tipos capitaneados por Dave Tice a las voces y un tal Pete Wells, que después fundaría los propios Rose Tattoo, se sacaban de la manga este pepinazo que con un poco más de suerte podía haber competido en aquellos años con las obras de Black Sabbath o Deep Purple. Encima, su compañía de discos no hizo mucho por ellos y pronto cayeron en el olvido. Este disco siempre fue una pequeña joya de coleccionismo sobre todo su edición en vinilo. En CD ni tan siquiera vio la luz hasta que en el año 2005 una pequeña compañía tuvo la luminosa idea de editarlo en formato digipack con un magnifico libreto de más de veinte páginas de acompañamiento con excelentes fotos de la banda y todas las letras de las canciones.
“Volcanic rock” fue editado en el año 1973 y es para mi gusto la obra cumbre de estos aussies. Si os gusta el sonido pesado, oscuro, ruidoso, con riffs atronadores y una voz que se asemeja mucho al Chris Cornell de sus primeros trabajos con Soundgarden, ir a por este artefacto de cabeza. Incluso los grandes amantes del stoner rock deberían poner la oreja con lo que suena en estos surcos y tal vez verían en Buffalo una influencia básica para Kyuss, Monster Magnet y demás bandas englobadas en ese estilo de música.
“Volcanic rock” es un disco sólido como una roca y cualquiera de los seis temas que lo conforman es un pequeño clásico en sí. Mención especial para la épica “Freedom” de algo más de 9 minutos de duración que se queda clavada en el cerebro de por vida.
Amantes del género, no lo dejéis pasar.

martes, 15 de junio de 2010

BLACK ALBUM-METALLICA


l

Llamado Metallica pero mejor conocido como The Black Album, considerado por la crítica como la obra maestra de Metallica, se haría esperar hasta el año 1991. Fue producido por Bob Rock, conocido por su trabajo con Bon Jovi y Mötley Crüe, entre otros. Con canciones como "Enter Sandman", "Holier than Thou", "Sad But True", "The Unforgiven", "Wherever I May Roam" y "Nothing Else Matters", vendió más de 500.000 copias en su primera semana en EE. UU., llegando al primer puesto en la lista del Billboard, en parte gracias a su carácter más comercial. Sólo en EE.UU., la RIAA certifica 14 millones de copias vendidas desde su salida a la calle. El nombre popular del disco, The Black Album (El álbum negro), viene de la portada del disco, que sólo contiene el logo de Metallica en la esquina superior izquierda y el dibujo de una serpiente en la esquina inferior derecha, todo ello bajo un fondo negro. Esta portada fue explicada posteriormente por Hetfield, quien dijo que la banda quería que la gente se fijase en la música que contenía el álbum, y no en el simbolismo ni en el diseño artístico.
UNA CRITICA

Un disco rodeado de polémica, los amantes del Heavy Metal Clásico y el Thrash de la vieja escuela lo podrán ver como el inicio del final de la supremacía de dichos géneros endosándole de paso la factura a Metallica de ser los responsables del final de una era, y acusándolos de ser los mayores traidores del Metal, sin embargo otros lo vemos a este disco como el contrapeso natural del Nevermind de Nirvana, ya que de no ser así, hubiéramos terminado escuchando mas a Sonic Youth, Radiohead, y todos esos grupos que siendo por demás respetables no nos producen las mismas sensaciones que Black Sabbath, Slayer y Pantera.

Sin duda este disco, que no deja indiferente a nadie, marcó un antes y un después en la historia de Metallica y del Metal en general, cierto es que Pantera había sorprendido con un nuevo estilo en 1990 con su mítico "Cowboys from Hell", pero siendo sinceros en 1991 todavía no se dimensionaba del todo el gran aporte de la banda Texana, así que lo que representa esta placa de Metallica cambio sin lugar a dudas el panorama del Metal, que tenía que adaptarse a los nuevos tiempos para no verse arrasado por esa ola melancólica llamada Grunge.

No podemos soslayar que la planeación de este disco va de la mano con el nacimiento de una nueva década, si bien es cierto este disco se empezó a grabar en 1990 cuando todavía no estallaba la bomba que supuso "Nevermind" de Nirvana, pero se respiraba en el ambiente que algo iba a cambiar, ya que aunado a la reinvención del Metal cortesía de Pantera, se hablaba en el ambiente de los buenos trabajos de bandas que se alejaban del cliché Heavy Metalero de los 80's como Faith No More, Soundgarden y Alice in Chains; asi que seguramente James y Lars ( todos sabemos que ellos son los que mandan) intuían que la formula thrasher que les hizo tomar el trono de Reyes del Metal a mediados de los 80's estaba a punto de ser superada por los tiempos, entonces había que reinventarse o morir.

Otro punto a tomar en consideración es que los miembros de la banda nunca estuvieron conformes del todo con la producción de sus discos, así que optaron por buscar un pulidor de canciones en este caso Bob Rock, si muchos se imaginaran a este polémico personaje entrando a los estudios de grabación con sus camisas de seda enmarcado en la marcha imperial de "Star Wars", y sometiendo a la dupla Hetfield/Ulrich, en lo personal no creo que esto haya sucedido y en todo caso tratándose del Black Album el resultado fue más que satisfactorio.

Si, es cierto que se redujo el tempo de las canciones y no había la velocidad de antaño, pero el disco para nada pierde potencia señores, los riffs de Hetfield seguían siendo musculosos sobre todo para un iniciado en estas materias, Hammet dentro de su estilo nos sigue regalando solos de muy buena factura, a Newsted se le empieza a hacer algo de justicia después de haber sido borrado en las sesiones de mezcla de "... And Justice For All", por primera vez en mucho tiempo se escucha el bajo en un disco de Metallica, aunque no demasiado valga la aclaración, y Ulrich nos regala un trabajo sensacional de batería, y por favor no me vengan a decir que por el solo hecho de no tocar el doble bombo es un mal baterista, pues el sentido del ritmo que nos regala en este álbum es superlativo y de destacarse.

¿Que las letras ya no eran tan oscuras como antes?, favor de ubicarnos en el tiempo, en 1991 ya había caído el Muro de Berlín y con ello se derrumbaba la amenaza comunista, así que temas que abordaran la tensión de una guerra nuclear estaban francamente trasnochados, y con un frívolo Glam Metal fulminado de un solo golpe por el melancólico Grunge ya no había contra quién dirigir las baterías de esa agresividad juvenil que dignamente supo representar Metallica en los 80's, así que es obvio que las letras fueran más relajadas ya sin los tópicos que las condicionaron en los 80's.

A nivel compositivo-musical el disco me parece bastante bueno, temas como Enter Sandman, Sad But True, The Unforgiven, Wherever I May Roam, y Nothing Else Matters son grandes canciones que miles de bandas morirían por firmar, aparte son himnos de los que crecimos en los 90's, sin olvidar los demás temas que mantienen un buen nivel de calidad, el disco en ningún momento decae, es accesible pero no por eso está peleado con la calidad, en pocas palabras es un muy buen disco con una magnifica producción.

El atrevimiento de Metallica no dejo indiferente a demás bandas de Metal, que en mayor o menor medida se adaptaron a los nuevos tiempos para ser competitivos frente a la corriente alternativa, los que no lo quisieron entender pasaron a formar parte del underground, muy respetable, pero creo que cualquiera que tome la guitarra y quiera componer pensando en trascender debe de tomar en consideración el entorno y la época para poder ser competitivos y no morir en el intento, pasando a ser solo un vago recuerdo, patrimonio de especialistas de cierto género musical.

Sin ser el mejor disco de Metallica, pues para mí los tres anteriores lo superan ampliamente, es un disco bastante recomendable para alguien que quiera adentrarse en los maravillosos y variados senderos que nos ofrece el Heavy Rock/Metal.

martes, 8 de junio de 2010

NEW SINGLE IRON MAIDEN- EL DORADO


SI QUEREIS BAJAR EL NUEVO SINGLE DE LOS MAIDEN PASAR POR SU PAGINA

The release date for IRON MAIDEN’S new studio album THE FINAL FRONTIER is now confirmed for Monday 16th August.

The new album pictured here features artwork illustrated by Melvyn Grant and, to mark the occasion, the band have made special arrangements for one new album track 'EL DORADO' to be made available Worldwide as a FREE digital
download MP3 with immediate effect

jueves, 3 de junio de 2010

RISING- RAINBOW


A Ritchie Blackmore, el hombre de negro, uno de los genios de Deep purple (porque en aquella mítica charanga, al que no fuera un genio absoluto le debían dar collejas y robar la merienda), quizá el guitarrista con más fama de inaguantable que rodaba pelotas por aquella época, se le puso en los cataplines en 1975 salirse del mapa y formar su propio grupo, que llamó Rainbow. Entre vítores y suspiros del respetable, los Purple trataron de levantar cabeza sustituyendo a quien se suponía insustituible, pero todo fueron tropiezos hasta que, a mediados de los 80, se juntaron de nuevo en torno al divo de marras y reflotaron el barco con el discazo Perfect strangers. Todas estas circunstancias debieron contribuir a hinchar más el pecho de Blackmore, cuya cola de pavo real no debía caber ya por las puertas. Afortunadamente para el orden cósmico, tras su partida definitiva en los 90, llegó y se quedo el increíble Steve Morse, demostrando de una vez por todas que nadie es insustituible en este mundo.

Pero vamos al paréntesis que nos ocupa, que en esto de hablar de los dioses del Olimpo es difícil no ser farragoso. Nuestro hombre se juntó con unos y otros, despidiendo y contratando gente una y otra vez con la soltura de un Burger King. El primer cantante fue nada menos que Dio (a quien a partir de entonces no abandonaría ya la merecidísima fama), y con él grabó unos cuantos discos. Rainbow rising es el que más me gusta con diferencia; se trata de un pedazo de álbum pleno tanto de Dio como de Blackmore, acompañados ambos de una base rítmica de lujo entre la que no puedo menos que destacar al impresionante Cozy Powell. La producción corrió a cargo de Martin Birch y es, como de costumbre, una pasada, aunque quizá estuvo un poco menos sembrado que en otras ocasiones. Son dignos de escuchar los churretones de flanger que le dio a la fornida y espectacular batería de Cozy Powell, tan explosiva, tan "tocada a mano". Lo que en otro productor podría haber pasado a la historia como un experimento excesivo o recargado, en él ha quedado como una muestra más de su impronta, como cuando a Picasso se le puso en los cataplines usar muchos tonos azules. A ver quién le rechista.

El ambiente de Rainbow rising, aunque también trascendental y solemne, es mucho más festivo, respirable y llevadero que la sobriedad monacal y extática de Purple. Menos coñazo, si me permiten los amantes de todos estos "Ribera del Duero del metal". Dio siempre supo, con tan solo cantar un par de sílabas, impregnar el aire tanto de elegancia y seriedad como de pura explosión vital sincera, alegre y extrovertida. Lo primero entroncaba muy bien con su nuevo "capataz", lo segundo buena falta le hacía a éste. Sobre todo cuando, como es el caso, se ponía cómodo continuamente y se hacía sitio para uno de sus (buenísimos) solos de varios minutos. Porque vaya pedazo de solos los de este disco, tan sucios y "fáciles" para cualquier chaval que destaque un poco con su técnica dentro del heavy actual, pero tan inspirados, melódicos e irrepetibles, siempre con ese gran letrero en cada nota que reza: "¡Ole mis cojones!". Y siempre tan largos; tras escuchar una de estas verborreas guitarrísticas, la voz de Dio llegaba de nuevo como una bombona de oxígeno, como un San Bernardo en la nieve.

El disco entra a matar con Tarot woman, que tras la larga carrera de Dio podemos escuchar ahora, ya con buena perspectiva, como una canción más de las muchas a las que ha prestado su increíble voz y su estilo imposible de imitar, pero a mí me da que en su día debió dejar boquiabierto a más de uno. Produce una inyección de optimismo y fuerza capaz de convencer a un suicida de que no salte (o bueno, quizá se decida durante el solo, pero si sobrevive le espera una estrofa final más eufórica aún).

Continúa el paseo con tres grandes canciones más: Run with the wolf, Starstruck y Do you close your eyes, todas ellas también energéticas y alegres en mayor o menor medida. La segunda de ellas tiene un cierto ambiente Purple, del tipo Strange kind of woman, pero en manos de Dio este tipo de canciones hacen que la voz de Gillan, por inevitable comparación, parezca una especie de canto gregoriano pálido y elegantemente tristón. Me gusta mucho Dio, no sé si lo he dicho ya.

Llega la cara B y se acojona uno. Ahí va, dos canciones de ocho minutos. No sabes si tirarte por el precipicio, pero en cuanto te decides tardas medio minuto en quedar convencido por Stargazer: una monumental y enervante historia épica que sin duda es una de las primeras manifestaciones, si no la primera, de algo que me gusta llamar "heavy de cartón piedra". Me refiero a esas canciones míticas, largas, que cuentan algún hecho remoto, real o imaginario pero siempre heroico... y que dada la época en que fueron compuestas se asocian inevitablemente al cine del tipo Ben Hur, Cleopatra o Espartaco (la peli, no el torero). Stargazer se puede, casi se debe, escuchar en el sofá con un cuenco enorme de palomitas, disfrutando de sus riffs repetitivos y amplios. Esta vez, el correspondiente solo enorme se funde de manera especialmente feliz con el resto de los elementos de la estructura.

Y la otra canción larga, A light in the black, cierra por fin con su ritmo acelerado un disco que, si lo hubiera hecho otra gente, habría resultado pretencioso o un poco pesado. Pero hecho por quienes lo hicieron, y además en 1976, ha quedado para la posteridad como un trabajo irrepetible y mágico, aparte de ser uno de los más valiosos y modélicos gérmenes del heavy metal.

lunes, 24 de mayo de 2010

DUST -THE SCREAMING TREES


Los Screaming Trees pusieron punto y final a su trayectoria con este fenomenal álbum. Una obra maestra y una de las cimas del rock de los años 90 grabada por un combo procedente de Seattle que iba más allá de la estética grunge para ofertar en este “Dust”, un excitante conjunto de canciones con revestimiento psicodélico que tanto deparan apasionados cortes rock como baladas memorables (no menos apasionadas) en su conexión entre la psicodelia de finales de los 60 y el hard-rock de los 70 con el grunge coetáneo.
La fosca poética de directa y grave exposición emocional (con variados asuntos en torno a la muerte, el amor y asuntos espiritual-fantasmales), las ricas texturas vocales e instrumentales con incisivos riffs, las inmejorables melodías, los estribilllos-himno, o la aportación de los teclados de Benmont Tench, son elementos de un disco épico y exuberante con George Drakoulias a la producción, quien cohesiona el conjunto en un caleidoscopio de hipnóticos sonidos.
Mark Lanegan prorrogaría el legado de los Screaming Trees con sonidos más pausados y tradicionales. Pero sin los hermanos Conner las cosas no serían lo mismo.
Un álbum imprescindible y una de las cumbres del rock de las últimas décadas. No. De la historia del rock.

1.Halo of Ashes
2.All I Know
3.Look at You
4.Dying Days
5.Make My Mind
6.Sworn and Broken
7.Witness
8.Traveler
9.Dime Western
10.Gospel Plow

lunes, 17 de mayo de 2010

Ronnie James DIO a MUERTO


!!!EL MUNDO DEL METAL HA PERDIDO UNA ESTRELLA!!!

Nuestro querido Ronnie, fallecía debido al cáncer que se le le estaba comiendo por dentro desde hace un año.

Su esposa ha confirmado su muerte hoy 16 de mayo del 2010, Ronnie James Dio

Hoy mi corazón está roto, Ronnie falleció a las 7:45 am del 16 de mayo. Muchos amigos, muchos familiares, fueron capaces de decirle adiós en privado antes de que él falleciera pacíficamente. Ronnie sabía cuánto era amado por todos. Nosotros lo apreciamos, le damos el amor y el apoyo que él siempre nos dio a todos. Por favor, darnos unos días para hacer frente a esta terrible pérdida. Por favor, sé que él os amaba a todos y su música vivirá por siempre
Ronald James Padavona, nacido el 10 de julio de 1942 en Portsmouth, New Hampshire en el seno de una familia italiana, dio sus primeros pasos en la música tocando la trompeta.

En 1957, se unió como bajista al grupo THE VEGAS KINGS, aunque pronto comenzó a encargarse de la voz, cambiando incluso el nombre del grupo a RONNIE AND THE RUMPLERS y posteriormente a RONNIE AND THE RED CAPS. Con esta nueva denominación, la banda sacó su primer single “Conquest” en 1958 a través de Reb Records.

En 1960 editó su primer lanzamiento ya con el nombre RONNIE DIO para el tema “An Angel Is Missing” con el sello Seneca, aunque el sencillo era una grabación de RONNIE AND THE RED CAPS.

En 1961 RONNIE AND THE RED CAPS deciden cambiar su nombre por el de DIO AND THE PROPHETS, denominación con la que estuvieron hasta 1967. Tras editar varios singles y un álbum en directo titulado “Dio´s At Domino” grabado en el Domino's Restaurant de Nueva York en febrero de 1963, la banda se separó cuando Dio y el guitarrista Nick Pantas, compañero del vocalista desde THE VEGAS KINGS, decidieron emprender una nueva aventura llamada THE ELECTRIC ELVES.

Con esta denominación solo sacaron un single en 1967 titulado “Hey, Look Me Over” auspiciado por MGM, ya que en 1969 acortaron el nombre a simplemente THE ELVES. Como THE ELVES editaron el single “Walking In Different Circles” con el sello de THE ROLLING STONES Decca en 1969, y otro 7”, “Amber Violet”, que sacó MCA en 1970. El grupo se mantenía estable y parecía que había encontrado cierta continuidad, pero un accidente de tráfico que terminó con la vida de Pantas hizo que la agrupación se disolviera.

El resto de los miembros decidieron seguir adelante cambiando el nombre del grupo a ELF y reclutando al teclista Doug Thaler (en los 80 mánager de bandas como MÖTLEY CRÜE). Se completaban con el guitarrista y primo de Dio David Feinstein (luego líder de THE RODS), el batería Gary Driscoll y el propio Dio como bajista. Thaler duró poco en el grupo siendo sustituido por Mickey Lee Soule, con quien grabaron su primer disco homónimo en 1972 al amparo de Epic.

Roger Glover e Ian Paice, bajista y batería respectivamente de DEEP PURPLE, estaban presentes cuando el grupo hizo la audición para Columbia, ofreciéndose estos a producir el LP. Este contacto les dio la oportunidad de telonear a la banda de Blackmore en las dos giras americanas que hicieron ese año.

En 1973 Feinstein deja el grupo siendo sustituido por Steve Edwards e incorporan al bajista Craig Gruber, y ya en 1974 editan con Purple Records “Carolina County Ball”.

Ese mismo año, incorporan al percusionista Mark Nausseff (IAN GILLAN BAND, JON LORD, THIN LIZZY, G-FORCE, VELVET UNDERGROUND), y en 1975 publican su segundo y último disco “Trying To Burn The Sun” con MGM Records. Este fue el primer lanzamiento en el que Dio utilizó su segundo nombre, al parecer por sugerencia de Ritchie Blackmore.

Blackmore ya había tomado nota de las habilidades vocales de Dio cuando ELF giraron con PURPLE, por lo que cuando decidió abandonar para formar RAINBOW, no dudó en llamarle.

El guitarrista no solo incorporó a Dio a su nuevo proyecto, si no que se llevó a todos los miembros de ELF salvo el guitarrista Edwards, obviamente.

El primer álbum homónimo de lo que en principio se llamó RITCHIE BLACKMORE´S RAINBOW salió en febrero de 1975 a través de Polydor.

“Rising” salió en mayo de 1976 ya como RAINBOW y con Tony Carey a los teclados, Jimmy Bain como bajista y Cozy Powell a la batería, y fue seguido por un doble en directo titulado “On Stage” en 1977 grabado en 1976 en varias fechas japonesas y alemanas de la gira de “Rising”.

En 1978 se incorpora el teclista David Stone y el bajista Bob Daisley para editar “Long Live Rock N´ Roll”, un LP que ponía un broche de oro al paso del cantante por RAINBOW. Según cuenta la historia, el cambio de dirección más orientado hacia el mercado americano que Blackmore pretendía para RAINBOW hizo que Dio decidiera abandonar el barco, siendo acompañado por casi todo el grupo.

En 1980 ingresaba en BLACK SABBATH como sustituto de Dave Walker (SAVOY BROWN), quien había intentado sin éxito suplir a Ozzy Osbourne.

La idea original de Iommi era formar un nuevo grupo con Dio ya que no estaba contento con Ozzy, pero al final le terminó ofreciendo el puesto en BLACK SABBATH.

La entrada de Dio en el grupo cambió por completo el sonido de la banda, dando un nuevo enfoque que hace que muchos puristas de SABBATH consideren los primeros trabajos de Dio con los de Birmingham más discos en solitario de Dio que de SABBATH.

La colaboración se entrenaba en abril de 1980 con el excelente “Heaven And Hell”, un disco que a pesar de los suspicacias y los reaccionarios, consiguió el favor unánime de la crítica y el público.

En 1981 y con Vinny Appice sustituyendo a Bill Ward, salía “Mob Rules” en noviembre de ese año a través de Vertigo, última entrega en estudio de la asociación.

En diciembre de 1982 parece el directo “Live Evil” ya con Dio fuera de la banda, un buen directo con un Dio sensacional pero que no termina de colmar las expectativas ni de los fans de Dio, ni por supuesto los de Ozzy.

Dio decidió abandonar BLACK SABBATH tras ser acusado por Iommi y el bajista Geezer Butler de irrumpir en el estudio en secreto para subir la voz en las mezclas del directo, acusaciones que Iommi retiró años después.

Acompañado por el batería Vinny Appice y por su ex – compañero en RAINBOW Jimmy Bain al bajo, forma su propia banda denominada simplemente DIO. La nueva alineación se completa con el joven guitarrista irlandés Vivian Campbell, proveniente del grupo de NWOBHM SWEET SAVAGE.

En mayo de 1983 se estrenan con un espectacular “Holy Diver” editado por Vertigo que recibe el total beneplácito de periodistas y fans a partes iguales.

Con la incorporación del teclista Claude Schnell publican “The Last In Line” en 1984 y “Sacred Heart” en 1985, abandonando tras su edición el guitarrista Campbell por diferencias irreconciliables con el líder del grupo Ronnie Dio.

El nuevo hacha Craig Goldie se estrena en la gira europea de “Sacred Heart”, en la que registran el EP en directo “Intermission” editado en 1986. El lanzamiento incluía el tema nuevo “Time To Burn”, primera composición de Goldie en la banda.

En 1987 sale “Dream Evil”, un disco que marca sin duda alguna el final de la etapa dorada de DIO.

Un año después el grupo se desbanda por completo, reclutando Dio al teclista Jens Johansson (ex – YNGWIE J. MALMSTEEN) al bajista Teddy Cook, el batería Simon Wright ex – AC/DC y al joven guitarrista Rowan Robertson, un completo desconocido.

En 1990 aparece “Lock Up The Wolves”, un LP flojo y carente de inspiración que inaugura las horas más bajas e inciertas de Dio.

Tras el fracaso de “Lock Up The Wolves” decide volver con BLACK SABBATH en 1991 para editar “Dehumanizer” en 1992, pero la colaboración termina súbitamente cuando Dio decide no cantar con la banda en un concierto en el que iban a ser teloneros de Ozzy Osbourne, negándose Dio a salir antes que Ozzy. BLACK SABBATH terminaron realizando la actuación con Rob Halford como encargado de las voces.

El vocalista tarda cuatro años en sacar nuevo material, y lo hace en 1994 con el decepcionante “Strange Highways”, un disco en el que recupera a Vinny Appice y se acompaña del ex – bajista de DOKKEN Jeff Pilson y del guitarrista ex – WWIII Tracy G., conocido de Appice. Dos años más tarde aparece “Angry Machines” con la misma formación y el teclista Scott Warren, trabajo que sigue la línea de su predecesor y que falla estrepitosamente en relanzar la carrera de la banda.

Tras el directo “Inferno - Last in Live” en el que participa el nuevo bajista Larry Dennison, vuelve en el 2000 con las pilas de nuevo cargadas editando un excelente LP conceptual titulado “Magica”, para el que regresa el guitarrista Craig Goldy, el bajista Jimmy Bain y el batería Simon Wright.

Dos años más tarde y aunque con un disco más directo, sigue la racha con un genial “Killing The Dragon” que graba junto al guitarrista Doug Aldrich, acompañados por Bain, Wright y Warren.

En el 2004 aparece lo que es la última obra de estudio del cantante hasta la fecha, “Master Of The Moon”, para el que recupera a Craig Goldie y Jeff Pilson a la guitarra y el bajo respectivamente.

Al año siguiente se reúne con el bajista Gezzer Butler, el guitarrista Tony Iommi y el batería Vinny Appice en una nueva encarnación de BLACK SABBATH denominada para la ocasión HEAVEN AND HELL.

La recopilación “The Dio Years” inauguraba la colaboración y presentaba tres temas nuevos, aunque la banda se estrenaba ese mismo 2007 con el directo auspiciado por Rhino “Live from Radio City Music Hall”, el cual fue seguido por el primer disco en estudio de la agrupación “The Devil You Know”, publicado también por Rhino en abril de este 2009.

Dio iba a comenzar una gira europea con su banda este otoño y estaba preparando las continuaciones de “Magica” cuando apareció la enfermedad, habiendo revelado incluso un tema nuevo titulado “Elektra” que tenía intención de comenzar a tocar en directo. El vocalista también está preparando una autobiografía que debería salir hacia el 2011.

Ya solo queda esperar que este sensacional cantante y compositor se recupere para que su historia pueda seguir escribiéndose muchos años más.

El DVD en directo de DIO "Evil Or Divine – Live In New York City", grabado en el Roseland Ballroom de Nueva York en el 2002 y editado por Eagle Vision en el 2003, verá la luz en CD gracias al sello polaco Metal Mind Productions el próximo 2 de noviembre en Europa.

Este nuevo digipack está limitado a 1.000 copias y ha sido remasterizado en 24 Bits.

Ronnie James Dio iba a contar con un nuevo guitarrista en la citada gira europea. Craig Goldy, el actual guitarrista de DIO, está girando por Australia con BUDGIE, por lo que el ex - guitarrista del grupo y actualmente en WHITESNAKE Doug Aldrich iba a ocupar su lugar durante el citado periplo. La Actual formación de DIO se completa con el bajista Rudy Sarzo (WHITESNAKE, QUIET RIOT, OZZY OSBOURNE), el batería Simon Wright (ex - AC/DC) y el teclista Scott Warren.

El disco editado por DIO en el 2002 "Killing The Dragon" fue reeditado el pasado mes de junio en vinilo con carpeta doble y diseño emergente por Night Of The Vinyl Dead. Solo hay 500 copias numeradas a mano.

La última entrega en estudio del mítico vocalista fue "Master Of The Moon", que data ya del 2004.

Ronnie James Dio ha tocado en ELF, RAINBOW, BLACK SABBATH, y su propia banda DIO. También participó en la recaudación de fondos colectivos "Hear 'n Aid" con el tema y EP "Stars". Él fue ampliamente considerado como uno de los cantantes más poderosos en el heavy metal, reconocido por su voz potente y consistente y por la popularización de "los cuernos del diablo " (gesto que hace con la mano en forma de cuernos).

En los último tiempos estaba involucrado en HEAVEN & HELL, un proyecto que también incluye a Iommi y otros ex compañeros de la banda BLACK SABBATH, Geezer Butler y Vinny Appice. Su primer disco en el estudio del regreso de la banda, "The Devil You Know", fue lanzado el 28 de abril de 2009. Posteriormente se editaba en CD y DVD una muestra en vivo de la reunión de la banda, bajo el título de "Live From Radio City Music Hall". La banda estuvo a punto de tocar el pasado verano en el festival Metalway en Zaragoza, pero por culpa de una lesión en la espalda de Tony Iommi se suspendió su concierto.

Hace días, se cancelaba el tour de HEAVEN AND HELL. Todo el mundo del heavy metal se compungía al leer que la causa era el cáncer de Ronnie.

Ronnie ha fallecido a las 7:45 de la mañana (2 de la tarde hora española) de hoy domingo 16 de mayo.

viernes, 7 de mayo de 2010

STICKY FINGERS


Corría el año 1971 cuando The Rolling Stones ya eran la banda más grande del mundo, Mick Taylor llevaba bastante tiempo encargándose de la 2ª guitarra, el reconocimiento multitudinario había llegado y el dinero, las drogas y las mujeres corrían por el lujoso apartamento de sus satánicas majestades.

Venían de crear una obra maestra como “Let it bleed” y se dirigían a elaborar otra como fue “Exile on Main St.”, pero entre medio, se inspiraron para volver a sacar magia de la chistera. Esta vez serían 10 canciones las que meterían en la cajita de cartón que Andy Warhol había diseñado para ellos. La portada de Warhol con esos pantalones vaqueros ceñidos a la entrepierna es casi tan famosa como el propio álbum. También hay que destacar que es la primera vez que vemos aparecer el logotipo creado por John Pasche para el grupo, la famosa lengua de los Stones.

La colección de canciones que lo componen hacen de él uno de los 3 mejores discos de la historia del rock y muy poca gente sería capaz de dejarlo fuera de ese honor, así que lo mejor será que pasemos a repasar cada uno de los cortes que lo componen mientras lo recuperas de tu estantería para volver a escuchar esta auténtica joya que, de hecho alcanzó el número 1 en las listas británicas y en las estadounidenses.

“Brown sugar” con uno de los riffs de guitarras más famosos de Keef, dando entrada a Mick con la rítmica y a una pandereta de acompañamiento, justo antes de que el resto del grupo les acompañe. Los arreglos de los teclados quedan realmente completos y las melodías de Jagger se pegarán a tu cerebro para el resto de tus días. El estribillo final con Jagger gritando “I say yeah! Yeah!! Yeah!!! Oooooooooh” queda para la historia de la música. La colaboración de Bobby Keys con el saxo es notable.

“Sway” comienza más relajada, con un ritmo mucho más bluesy y unos coros cojonudos. Las guitarras suenan compactas y desgarbadas al mismo tiempo, al mas puro estilo Richards. La garganta de Mick Jagger se rompe continuamente mientras Keef se marca uno de sus geniales solos melódicos, nada técnicos pero plenos de feeling.

“Wild horses” es junto a “Angie” la balada más conocida de sus satánicas majestades. Guitarras acústicas acompañadas por el suave golpeo de Charlie a la caja y la quejumbrosa voz de Mick cantándole a las drogas. La presencia de teclados acentúa el dramatismo del tema dándole un aire más intimista.

“Can’t you hear me knocking” vuelve a poner de manifiesto que, por encima de todo, esto es rock and roll, un buen riff de guitarra, ritmo acompasado de las bases y unas buenas melodías vocales acompañadas por pasión y entrega en la interpretación. Eso es esta canción. Destaca el interludio rítmico con saxo tenor y combas. Le añadimos un estribillo pegadizo, unos buenos coros y un solo con clase y ya lo tenemos ¡Pero qué difícil es saber hacerlo!

“You gotta move” es un blues puro y duro, arrastrándose por el delta del Mississippi. Versión del clásico de Freddie McDowell donde la guitarra acústica suena como lo hacía Son House, poderosa y ruidosa; los pocos bombos y platos que mete Charlie son con contundencia; los coros parecen sacados de la misma ribera del mítico río; y Mick canta dejándose llevar por la corriente quejumbrosa del mastodóntico torrente.

Llega otra de las míticas, “Bitch”, con otro de esos riffs que el señor Richards crea para la posteridad. Solo por él ya vale la pena escucharla, pero es que además Jagger nos regala otro de esos estribillos rabiosos y pegadizos que acompañados por la sección de metales devienen en pura leyenda y jamás te cansas de escucharlos. El solo de Keith es de los más destacados de todo el disco.

“I got the blues” es una balada de tempo tranquilo y bases de blues con cierto aire de soul. El punteo continuado de las guitarras sobre el lamento constante de las trompetas y la arrastrada voz de Mick Jagger le confiere un encanto arrebatador. Hay que destacar el iracundo solo de hammond por parte de Ian Stewart.

“Sister morphine”, único tema donde colabora Marianne Faithfull (exnovia de Jagger) con el dúo Jagger/Richards en la composición, empieza con la guitarra acústica y cierto contoneo titubeante de Mick, entra el punteo de la guitarra eléctrica mientras Jagger sigue cogiendo ritmo al son que marca el incremento constante de instrumentos y potencia en la canción. Un temazo que pone los pelos de punta al más chulo. Hasta que no pasan más de 2 minutos y medio no entra Charlie con la batería, entre juegos de los teclados al fondo sobre los punteos de Keith con la guitarra.

“Dead flowers” es un tema más americano, con mucho aire country y una gran presencia de los teclados. El continuo punteo de Keef con su Fender sobre el rítmico golpeo de Charlie da rienda suelta a la creatividad de Mick con las melodías.

El álbum se cierra con otra grandísima canción como es “Moonlight mile”. Los fraseos iniciales de las guitarras con el teclado de fondo y los coros vocales dan paso a la quebradamente aguda voz de Mick Jagger. Es una de mis canciones favoritas de toda la carrera de los Stones y los arreglos de cuerdas (obra de Paul Buckmaster) y teclados la convierten en una preciosidad disfrazada de canción, dando por cerrado una de las maravillas musicales más grandes de la historia del rock.

La lírica del álbum fue de las más duras que jamás escribieron los Rolling Stones, con continuas referencias al sexo, las drogas o la esclavitud. Tanto “Brown sugar” como “Wild horses” o “Sister morphine” hablan descaradamente de heroína y morfina.

La lista de colaboraciones es larguísima y podemos destacar los coros de Ronnie Lane, Billy Nichols y Pete Townshed, las teclas de Ian Stewart, Billy Preston o Billy Nichols, las congas de Rocky Dijon, o la sección de metales que corre a cargo de Bobby Keys y Jim Price.

La historia de la banda es mundialmente conocida y sus entresijos han pasado a la leyenda del rock en particular y a la mítica de la música en general, así que hazme caso y recupéralo de tu estantería para ponerlo a todo trapo en tu reproductor.

lunes, 3 de mayo de 2010

BRITHISH STEEL


Sin ningún tipo de duda, el año 1980 sería clave para el Heavy Metal.

Bandas como Motorhead, que editaban aquel año su famoso “Ace of spades” o Saxon, que hacían lo propio con “Wheels of steel”, habría que añadir a Van Halen, “Women and children first”, Thin Lizzy “Chinatown” o los primeros discos de Iron Maiden, “Iron Maiden” o Def Leppard “On through the night”, además del primer álbum de Black Sabbath con Dio al frente, “Heaven and hell”, o el primer disco de AC/DC sin Bon Scott, “Back in black”, o los primeros discos en solitario de Joe Perry, “Let the music do the talking”, y Ozzy Osbourne “Blizzard of Ozz” o el algo olvidado “Animal magnetism” de Scorpions.

Pero hoy, estamos aquí para celebrar, tal día como hoy de hace 30 años, la edición de uno de los discos básicos para entender el Heavy Metal. Precursor sin duda del estilo que se denominó NWOBHM, por mucho que ellos, la banda de Birmingham Judas Priest, ya llevasen unos pocos años en el mundo del Rock.

“British steel” fue el sexto álbum en la carrera de Judas Priest. Grabado en Tittenhurst Park, la mansión de John Lennon, aunque la banda lo intentó en los Starling Studios, de Ringo Starr, representó por aquel entonces, el punto más alto alcanzado por la banda en las listas de éxito. Incluso a día de hoy, podemos asegurar que lo sigue siendo. Al menos en lo que respecta a su propio país. Y es que, aunque la banda siempre miró hacia los Estados Unidos, el verdadero éxito lo obtuvo siempre en el viejo continente.

Sin ir más lejos, en el mes de agosto de éste mismo año, 1980, concretamente el día 16, se produjo el primer Monsters of Rock festival, con Rainbow de cabeza de cartel, seguido por Judas Priest como banda invitada, para acabar de llenar el día con Scorpions, April Wine, Saxon y Riot.

Además, para el público americano la banda grabó el año siguiente “Point of entry”, en un intento, vano,sin duda, de conquistar el mercado americano.

El disco fue producido por Tom Allom, ingeniero en los primeros discos de Black Sabbath, además de haber acabado días antes la producción del primer disco de Def Leppard, y por supuesto resultó ser la presentación de Dave Holland, nuevo batería del grupo sustituyendo a Les Binks. Aunque Holland había girado con la banda anteriormente a la edición del disco, exactamente el 1 de septiembre de 1979 junto a Kiss, éste representaría su presentación oficial.

Tres serían los singles que aparecerían de éste disco: “Living after midnight”, “Breaking the law” y “United”. Sin duda alguna, los dos primeros temas de estos tres, clásicos en toda su extensión, y con todo el derecho del mundo.

El disco se abre con “Rapad fire”. Un tema rápido, de ritmo constante, tan afilado que por momentos corta, aunque solo sea la respiración mientras lo escuchamos.

Le sigue “Metal Gods”, que a la postre acabaría siendo el sobrenombre del propio Halford “Metal God”.

Resulta curioso el cómo hacían los efectos por aquellas épocas, ya que no existían simples para ellos.

Por ejemplo, los supuestos andares que se oyen en la canción a modo de marcha militar por los ejércitos, estaban realizados con una cubertería, añadiéndole efectos de botellas de leche destrozadas en el suelo. Incluso la banda llegó a usar tacos de billar para según que efectos.

El tema musicalmente sigue la onda de la banda. Guitarras potentes, ritmos machacones y la voz de Halford sobresaliendo en todo momento.

Le sigue “Breaking the law”. ¿Qué decir de éste tema?.

Seguramente tuvo mucho que ver el paro que había en Inglaterra por aquellos años, así como lo poco que gustaba alguien como Margaret Thacher con uss ideas políticas.

Creo que casi todas las bandas de Heavy del mundo han tocado una u otra vez este tema, aunque sin duda me quedo con la versión que hizo Doro en su álbum con la orquesta y que posteriormente llevó al directo en las consiguientes giras que llevó a cabo. Ese era su modo de agradecer a los chicos de Judas Priest que confiaran en ella y su antigua banda, Warlock, y los llevasen de gira por toda Europa.

“Grinder” sigue la senda del disco. Riffs potentes, sostenidos con ritmos duros y la voz de Halford en primer plano.

“United” siempre me resultó una especie de himno. Una llamada a la unión de todos aquellos que estuvieran explotados, sumisos bajo cualquier yugo, político o social.

Es posible que desentone en la tónica general del disco. Aunque su ritmo lento, no por ello deja de ser machacón. Para cerrar la primera cara resultaba hasta curioso.

“You don’t have to be old to be wise” abría la segunda cara y es toda otra declaración de principios de la banda, dejando muy claro que aunque sean jóvenes no por ello dejan de estar preparados. O lo que es lo mismo: no hay que ser viejo para ser sabio.

Resultó ser el tema más extenso del disco, llegando a superar los cinco minutos. Posiblemente sea el tema que más acerca a la banda al Rock básico, alejándolo del Heavy Metal que podría ser “Rapad Fire”, aunque como en todos los temas, Halford se desgañita a gusto.

“Living after midnight”, posiblemente el tema más conocido del grupo y el que más alto estuvo en los charts, se llevó un puesto 12 en U.K. nos devuelve a una banda con ganas de metal. Por mucho que algunos digan que con el tema la banda quiso unir el Rock con el Pop. El insistente riff de Downing y Tipton no lo escucharéis nunca en ninguna canción pop, eso os lo aseguro.

“The rage” resultó ser el momento de abertura musical de labanda en este disco. Como diciendo, hey, hacemos Heavy Metal, pero podemos adentrarnos en otros terrenos. Que sí, esposible que en sus anteriores discos ya lo hubieran hecho, pero sin duda, cualquier cosa grabada en este “British steel” fue mirada con lupa. Con un inicio algo reggae dado por el sonido de bajo de Ian y la batería de Dave, se torna en duro metal cuando entran las guitara de K.K. y Glenn.

“Steleer” cierra el disco con nota alta. Tal y como empezó: rápido, afilado, potente y dejando claro quien es el amo y señor de Metal en aquel lejano año 1980.

Aunque el año siguiente apareció “Point of entry” la banda se redimió de ello con sus dos siguientes obras: “Screaming for vengeance” de 1982 y “Defenders of the faith” de 1984.

Aunque eso, como siempre digo en estos casos, es otra historia.

Alabado sea el año 1980 que vio nacer tantos y tan buenos discos de Metal y de los cuales a día de hoy aún podemos disfrutar. Sobre todo de éste, que está a punto de salir al mercado en una nueva edición remasterizada, con un bonus cd y un bonus dvd.

Por cierto, un último comentario a la portada del mismo. Todo otro clásico del género. Diseñada por Roslav Szaybo.

Line up:
Rob Halford – voz
K.K. Downing – guitarra
Glenn Tipton – guitarra
Ian Hill – bajo
Dave Holland – batería

Listado temas:
01. Rapid fire
02. Metal gods
03. Breaking the law
04. Grinder
05. United
06. You don’t have to be old to be wise
07. Living after midnight
08. The rage
09. Steeler
10. Red, white and blue [bonus track de la reedición del 2001] (tema grabado durante las sesiones de 1985 para el álbum Turbo)
11. Grinder [bonus track para la edición del 2001] (grabado en directo el 5 de mayo de 1985 en Long Beach arena, California)

domingo, 25 de abril de 2010

BRET MICHAELS de POISON en estado grave


Los Ángeles (EE.UU.), 23 abr (EFE).- Bret Michaels, vocalista de la banda Glam-metalera Poison, fue ingresado la pasada madrugada en un hospital tras sufrir un derrame cerebral masivo, según publicó hoy la edición digital de la revista People.


La publicación, que cita una fuente con conocimiento de la situación, sostiene que Michaels, de 47 años, se encuentra en condición crítica.


"Tras varias pruebas de sangre, resonancias magnéticas y angiogramas, los doctores decidieron mantenerle ingresado y están intentando descubrir la causa. En los próximos días se mantendrá en observación", apuntó la fuente.


Al cantante se le extirpó el apéndice el día 12 en San Antonio (Texas) y sufre diabetes desde que era pequeño.

jueves, 1 de abril de 2010

MACHINE HEAD




Machine Head es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de Rock Deep Purple. Fue grabado en el Grand Hotel de Montreux, Suiza, en diciembre de 1971, y editado en mayo de 1972.

Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del Heavy Metal. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema "Smoke on the Water", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.

En 2001, la revista Q lo catalogó en el puesto 50 de su lista de Los álbumes más pesados de todos los tiempos.
Si el riff de Smoke on the Water no es el más famoso de la historia del Rock, poco le falta. La historia que esconde esta canción, incluida en el álbum Machine Head, es, cuanto menos, curiosa. Situémonos el 4 de diciembre de 1971 en el casino de Montreux, Suiza, justo al lado del lago Geneve. Ese día, la formación Mark II de los Purple aprovecha su estancia en en Montreux para ir al concierto de Frank Zappa & The Mothers justo antes de comenzar a grabar su álbum en el mismo casino al día siguiente. Durante un solo de sintetizador del teclista de The Mothers, Don Preston, un inconsciente (estúpido, según Deep Purple en la letra de Smoke on the Water), lanza una bengala contra el techo del local. En un principio no se le da importancia, pero poco después las llamas se extienden y el techo de madera amenaza con derrumbarse. Zappa evita una tragedia avisando al público que abandone rápidamente el local. La avalancha de gente se dirige hacia las puertas, mientras explota una caldera que provoca varios heridos, mientras que Zappa y los Mothers tienen que abandonar el casino por un túnel a causa del denso humo que se ha ido acumulando. Afortunadamente no hubo víctimas mortales, aunque el local quedó hecho una ruina.


Por su parte, Deep Purple se retiraron al hotel donde se alojaban, viendo desde una de las ventanas como el casino se consumía entre las llamas. Glover acuñó la frase "Smoke on the water" (Humo en el agua) al notar que el humo del incendio se reflejaba en el lago Geneve. Ian Gillian completó la letra y Ritchie Blackmore compuso ese riff mastodóntico conocido ya por todo el mundo. El disco se terminó grabando en los estudios móviles de los Rolling Stones (como ya se había previsto), pero en lugar de tener como centro de operaciones el Casino, se tuvieron que desplazar al teatro Pavillion y más tarde al Gran Hotel de Montreux.



Primera edición (1972)
1."Highway Star" – 6:05
2."Maybe I'm a Leo" – 4:51
3."Pictures of Home" – 5:03
4."Never Before" – 3:56
5."Smoke on the Water" – 5:40
6."Lazy" – 7:19
7."Space Truckin'" – 4:31
Re edición especial 25º aniversario [editar] Disco uno [editar]1."Highway Star" – 6:39
2."Maybe I'm a Leo" – 5:25
3."Pictures of Home" – 5:21
4."Never Before" – 3:59
5."Smoke on the Water" – 6:18
6."Lazy" – 7:33
7."Space Truckin'" – 4:52
8."When a Blind Man Cries" – 3:33
Disco dos [editar]1."Highway Star" – 6:08
2."Maybe I'm a Leo" – 4:52
3."Pictures of Home" – 5:08
4."Never Before" – 4:00
5."Smoke on the Water" – 5:42
6."Lazy" – 7:24
7."Space Truckin'" – 4:35

jueves, 25 de marzo de 2010

AC/DC VOLVERÁ A BILBAO EL 28 DE JUNIO PARA ACTUAR EN SAN MAMÉS


La legendaria banda australiana de rock AC/DC actuará en San Mamés el lunes, 28 de junio, 14 meses después de arrasar en su visita al Bizkaia Arena en abril de 2009.

Próximamente se darán todos los detalles acerca de la fecha de salida a la venta, el sistema y los puntos de venta y los precios de las entradas.

AC/DC es una banda formada en Sydney (Australia) hace 35 años y compuesta por los guitarristas Angus y Malcolm Young, el bajista Cliff Williams, el batería Phil Rudd y el cantante Brian Johnson, que sustituyó al vocalista original Bon Scott. AC/DC pronto se convirtió en una referencia para los aficionados al rock por derecho.

AC/DC comenzó a ganarse una sólida reputación en la escena del rock pero tuvo que esperar a 1979 para alcanzar el éxito internacional con la canción ‘Highway to Hell’, y en 1981 consiguió su primer nº 1 en Estados Unidos con el álbum ‘For Those About to Rock’. Han pasado 33 años desde su primer disco ‘High Voltage’ (1975) y la música de AC/DC sigue viva.

La publicación el año pasado de su álbum Black Ice significa el reencuentro con una banda que a lo largo de su carrera ha vendido más de 200 millones de discos en todo el mundo. Es el regreso de un icono del rock. Es la vuelta de AC/DC, que estarán en Bilbao de nuevo el 28 de junio.

domingo, 21 de marzo de 2010

NUEVA SECCION- CLASICOS DEL ROCK Y MAS

portada original
Hoy comenzanos nuestra andadura con un clasico entre los clasicos del Hard Rock y una de las mejores bandas en su estilo AC/DC:
Highway To Hell (1979)
La pura competición con LET THERE BE ROCK por el trono de mejor álbum de AC/DC en la era del vocalista Bon Scott. Eso representa una de las mayores obras maestras de la historia del grupo y del Rock And Roll. Fue el testamento discográfico de un Scott que fallecería trágicamente al año siguiente como es bien sabido. Un álbum que lo tenía todo, absolutamente todo, incluida una memorable labor de producción de Robert John MUTT Lange.


Muchos se escandalizaron cuando se conoció la noticia de que Lange iba a producir al grupo. ¿Qué pasaba con Harry Vanda y George Young? ¿Dónde estaban? ¿Qué sería de ese sonido de pura dinamita del grupo? ¿Habría sorpresas “desagradables” de tipo comercial?

Nada de eso se produjo. Sí es cierto que el afamado productor pulió el sonido del grupo en bruto en el estudio, le dio un brillo y una categoría brutales, y lo dejó sencillamente impoluto. Lo mejor de todo es que “Mutt” Lange hizo todo esto respetando escrupulosamente el AC/DC sound y el espíritu salvaje y brutalmente decibélico del estilo y la forma de hacer del grupo.

El tema-título, ‘Highway To Hell’ era todo un himno desde el principio. Se le veía madera de tal nada más arrancar. Y podía valer (¡valió!) como single sin sacrificar la indudable autenticidad del grupo ni un ápice.

‘Girls Got Rhythm’ iba en la misma línea de medio tiempo, aunque más acelerado que el tema-título, y la acelerada ‘Walk All Over You’ ponía las revoluciones a mil, con ese sonido guitarrero de válvula de los hermanitos Angus y Malcolm Young tan de Rock clásico y brutalmente eléctrico, tan bluesy... tan AC/DC.

‘Touch Too Much’ devolvía el disco a tempos algo más calmados, y nos regalaba unas estrofas de las más directamente pegadizas que jamás hemos escuchado en AC/DC, mientras que en ‘Beating Around The Bush’ el grupo vuelve a ponerse trepidante, a toda velocidad, a descargar toda su furia rockera.

Entonces, con un tempo no tan alto, pero con una potencia incendiaria y descomunal, llega otro himno de esos realmente soberbios, una de las más grandes y brutales joyas del grupo: ‘Shot Down In Flames’, con unas estrofas dotadas de incandescentes chispazos entrecortados de guitarra y un estribillo en salvaje explosión con el que es imposible no quedarse.

‘Get It Hot’ vuelve a la onda ‘Girls Got Rhythm’ y es de las piezas más desconocidas de este álbum, aunque el grupo hizo por rescatarla de tan injusto olvido al incluirla en el repertorio de su última gira hasta la fecha: Stiff Upper Lip 2000-2001.

Otro de los mejores momentos del disco llega con ‘If You Want Blood (You’ve Got It)’ ( el mejor), que nos devuelve a la salvaje electrocución de ‘Shot Down In Flames’, muy al estilo de lo hecho en ‘Bad Boy Boogie’ para el álbum Let There Be Rock.

La cadenciosa ‘Love Hungry Man’ y el Blues de ‘Night Prowler’ ponen un broche más que de oro y platino a un disco absolutamente inolvidable, de los que merecen figurar en los más honoríficos lugares de la historia del Rock y de la música contemporánea, y constar en las más gloriosas páginas de la historia del género.